Laser-Gato, do brasileiro Lucas Acher, está na competição da Cinef, para curtas-metragens feitos em faculdades, mas concorre por uma escola estadunidense, a New York University. 

A produtora brasileira RT Features, de Rodrigo Teixeira (um dos produtores de Ainda estou aqui), está envolvida em Paper tiger, longa-metragem do estadunidense James Gray que disputa a Palma de Ouro. De acordo com o site do evento, porém, trata-se de uma produção dos Estados Unidos.

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Cena do documentário sobre Richard Avedon; o fotógrafo ao centro na foto. Foto: Divulgação

La perra, da chilena Dominga Sotomayor, é uma coprodução entre Brasil e Chile também com envolvimento da RT Features e presença de Selton Mello no elenco. O filme passa na mostra paralela Quinzena de Cineastas. 

De volta à seleção oficial, na seção Um Certo Olhar, Elephants in the fog, do nepalês Abinash Bikram Shah, é uma coprodução entre Nepal, França, Alemanha, Brasil e Noruega, com a participação das produtoras brasileiras Enquadramento e Bubbles Project.

Na Semana da Crítica, paralela à competição principal, Seis meses en el edifício rosa com azul, de Bruno Santamaría Razo, é uma coprodução entre México, Brasil e Dinamarca, com a Desvia Produções entre as produtoras.

Mas não é só a presença brasileira e latino-americana que estão tímidas nesta edição. Cannes 2026 vem com poucas obras estadunidenses. Entre os 22 filmes da competição, apenas dois são dos Estados Unidos, enquanto 16 são europeus. Cinco diretoras disputam a Palma de Ouro. A seguir, os principais destaques deste ano:

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Natal amargo, de Pedro Almodóvar

O cineasta espanhol está de volta a seu país e à sua língua materna depois de O quarto ao lado, que lhe rendeu o Leão de Ouro em Veneza. Almodóvar retorna com seus jogos de espelho, alter egos e histórias paralelas, mostrando o diretor e roteirista Raúl (Leonardo Sbaraglia) que escreve sobre a publicitária Elsa (Bárbara Lennie).

Além de Almodóvar, entre os cineastas europeus na competição estão o polonês Pawel Pawlikowski (Fatherland), o romeno Cristian Mungiu (Fjord), o francês Arthur Harari (L’Inconnue) e o russo Andrei Zviaguintsev (Minotaur).

Richard Avedon (ao centro). Foto: Divulgação

Avedon, de Ron Howard

Nas Sessões Especiais, fora de competição, o diretor estadunidense repassa a vida e o legado de Richard Avedon (1923-2004), um dos maiores retratistas e fotógrafos de moda da história. Para dirigir o documentário, Howard teve acesso ao acervo pessoal de Avedon e entrevistou pessoas importantes em sua trajetória, como Isabella Rossellini, Calvin Klein, Twiggy Lawson e Lauren Hutton. 

Parallel tales, de Asghar Farhadi

Vencedor do Urso de Ouro em Berlim (A separação, 2011) e dos troféus de roteiro (O apartamento, 2016) e do Grande Prêmio do Júri (Um herói, 2021) em Cannes, o diretor iraniano disputa a Palma com um longa estrelado por Isabelle Huppert, Vincent Cassel e Virginie Efira sobre uma escritora que espiona os vizinhos em busca de inspiração.

Miles Teller e Adam Drive (à esquerda na foto). Foto: Divulgação

Paper tiger, de James Gray

O diretor estadunidense retorna a um de seus temas preferidos: famílias fraturadas, escolhas difíceis e irmãos envolvidos com o crime, como em Os donos da noite (2007). No filme, Adam Driver e Miles Teller são irmãos que, em busca do sonho americano, envolvem-se com a máfia russa. Scarlett Johansson também está no elenco.

Sheep in the box, de Hirokazu Koreeda

São quatro asiáticos na competição de Cannes 2026. Vencedor da Palma de Ouro por Assunto de família (2018), o diretor japonês conta a história de um casal que, em um futuro não muito distante, confia em um androide para lidar com o luto pela perda do filho. Também japonês, Ryusuke Hamaguchi (melhor roteiro em Cannes e Oscar de filme internacional por Drive my car, de 2021) apresenta All of a sudden, sobre duas mulheres que ficam amigas em circunstâncias difíceis. Disputam também a Palma o japonês Nagi notes, de Koji Fukada, e o sul-coreano Hope, de Na Hong-jin, que tem no elenco Hoyeon, Michael Fassbender, Alicia Vikander e Taylor Russell. 

Foto: Divulgação

The man I love, de Ira Sachs

Na Nova York do fim dos anos 1980, o artista queer Jimmy George (Rami Malek) enfrenta a doença e a morte durante o auge da epidemia de Aids. O filme com roteiro de Sachs e do seu parceiro habitual, o brasileiro Maurício Zacharias, conta com Ebon Moss-Bachrach, Tom Sturridge e Rebecca Hall no elenco e foi editado pelo também brasileiro Affonso Gonçalves.

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Djavan é um dos poucos compositores brasileiros que viraram verbo. “Djavanear” surgiu depois que o cantor cunhou o “caetanear” na letra de “Sina”, de 1982 (“Como querer/ Caetanear o que há de bom”) – ao interpretar a canção, Caetano Veloso criou esse outro neologismo para retribuir a homenagem. Além de remeter a um vocabulário e a códigos muito próprios do compositor, de 76 anos, djavanear também dá nome à turnê que celebra seus 50 anos de carreira e que percorrerá arenas do Brasil, começando em maio, em São Paulo, e terminando em dezembro, em sua Maceió.

O marco inicial dessas cinco décadas de música foi A voz, o violão, a música de Djavan, um disco de samba lançado em 1976. Desde então, são 26 álbuns e sucessos que são joias da MPB – “Samurai”, “Linha do Equador”, “Eu te devoro”, “Lilás” e tantas outras. Djavan não faz distinção entre os discos. “A minha entrega em cada um foi igual”, conta à ELLE. “Cada disco obedece a quem fui naquela época, às coisas que disse e cantei. Eu era aquilo quando fiz.”

Foto: Bob Wolfenson

O mais recente, Improviso, chegou em novembro, com um punhado de canções novas. Além delas, ele resgatou “O vento”, parceria sua com Ronaldo Bastos gravada em 1987 por Gal Costa, a maior intérprete de sua obra – foram 13 músicas de Djavan gravadas pela baiana ao longo da carreira. Também do fim dos anos 1980, ele recuperou “Pra sempre”, que surgiu após um convite do produtor Quincy Jones (1933-2024) para criar uma música para Michael Jackson, que gravava Bad (1987). Num misto de pudor e ceticismo, Djavan nunca mandou a melodia que fez. Mas ela ganhou letra, que homenageia Michael, décadas depois (“Cê foi, mas não foi/ Não saiu daqui”).

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Improviso traz canções sobre o amor, como reza a cartilha de Djavan. Mas a maioria das letras, diferentemente do que se possa imaginar, não é autobiográfica. “Não falo de mim, em geral”, avisa. O compositor está casado há 28 anos com Rafaella Brunini, mãe de seus dois filhos mais novos: Sofia, 21, e Inácio, 19. Os mais velhos, Flávia, 53, Max, 52, e João, 48, são filhos do casamento
com Maria Aparecida Viana (1950-2024), entre o início dos anos 1970 e o fim dos 90. São sete netos, com idades próximas às dos caçulas. Djavan: o musical – Vidas pra contar, que estrou neste ano, repassa essa trajetória desde o começo humilde, em Maceió. Ele achou que não tinha biografia
para tanto, mas, ao assistir, mudou de ideia.

Foto: Bob Wolfenson

Na sessão de fotos para a ELLE, Djavan dançou ao ouvir Stevie Wonder (que gravou a gaita de “Samurai”, em 1982), algo que ele só começou a fazer há uns dez anos no palco. “Comecei a gostar disso. Antes era realmente tímido. Ficava ali parado, nem sequer olhava direito para a plateia.”

Dias depois, recebeu a ELLE para uma conversa no estúdio que tem em sua casa, no Rio de Janeiro, onde grava seus discos. “O que você quer saber?”, diz, prontamente, sentado em uma cadeira, abrindo a conversa e sem fugir de nenhum tema.

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Você canta muito sobre o amor, mas já disse que suas canções, na maioria das vezes, não são autobiográficas. Como é a dinâmica entre a observação e a experiência?

Não falo de mim, em geral. Tento escrever do amor, mas não do meu amor. Em primeiro lugar, não me sentiria bem em ficar falando sobre mim nas canções ou pelo menos dar essa impressão. Até porque isso não me levaria aonde quero, que é a invenção. Acho que a criação é muito ligada a você imaginar uma situação com a qual as pessoas se identifiquem.

“Não falo de mim, em geral (nas composições). Tento escrever do amor, mas não do meu amor.”

Nesse sentido, tudo inspira você?

Quem escreve, em geral, não tem muita dificuldade de conseguir elementos para se inspirar, porque a gente vive observando tudo. Tenho uma paixão absoluta pela natureza. A contemplação foi uma coisa que minha mãe me mostrou. Há nomes de plantas que ela me ensinou quando era menino. Guardo
muito o nome delas. Nem entendo como consigo. Orquídeas, por exemplo, têm nomes difíceis, todos em latim, e sei muitos deles. Fiz até uma música falando deles (“Orquídea”).

Foto: Bob Wolfenson

“Açaí” (1982) é uma observação da natureza.

Exatamente.

Sua mãe, Virginia, é uma figura presente nas suas entrevistas. Você sempre se lembra dela como “uma mulher que criou cinco filhos no segundo estado mais pobre da federação”. Quem foi essa mulher? Ela o introduziu à musicalidade?

Era uma pessoa que só tinha o primário (Virginia era lavadeira), mas era de uma inteligência, de uma
dignidade… Sempre foi muito ética, muito correta. Tinha um sexto sentido forte. Ela me disse que
eu seria um cantor porque tinha vocação para isso. Foi a pessoa mais importante da minha vida.

Ela não chegou a presenciar seu sucesso, né?

Não depois que eu vim para o Rio. Mas lá, em Alagoas, sim, cantando no LSD, aquela banda
que me deu um início artístico.

Você tocava em fazendas com o LSD.

Em tudo que é lugar. O LSD era uma banda que existia para alegrar bailes, comícios e aniversários.
Fui muito a fazendas, tocar em aniversário do dono ou da filha dele. Conheço o estado de Alagoas inteiro por causa disso. No LSD, a gente tinha inclinação para o rock. Tocava muito Beatles, alguma coisa brasileira, como Renato e Seus Blue Caps.

Sua mãe falava para você não ir a determinados lugares como uma forma de protegê-lo do racismo. Já você incentivou seus filhos a ir a todos os lugares. O mundo era outro? Como você observa esse paradoxo?

Acho que a minha mãe estava certa. A época era outra. Ela não queria ver seu filho sendo hostilizado
em lugar nenhum. Ela não me criou para isso, dizia. Não poderia ter a mesma postura porque tenho outra formação, sou de outra época e já sei mais do que ela, naquele momento. Sei que é brigando que você derruba muros. Não a condeno por isso. Acho que ela estava corretíssima. Era uma mãe solteira criando cinco filhos negros. Ela tinha que ter uma posição de modo a fazer os filhos verem que o mundo era do jeito que ela descrevia e precisavam de proteção.

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Socorro! (Disney+)

Após sobreviverem a um acidente de avião, uma funcionária (Rachel McAdams) e seu chefe sádico (Dylan O’Brien) ficam presos em uma ilha deserta. Lá, os papeis se invertem, enquanto eles precisam sobreviver. Entre muita tensão, a relação dos dois se transforma em uma batalha de inteligência e resistência. Com direção de Sam Raimi (O Homem Aranha).

Estreia em 7 de maio.

Tetra: Acreditar de novo (Netflix)

Às vésperas da Copa do Mundo, o documentário revisita a jornada da seleção brasileira rumo ao mundial de 1994, depois de 24 anos sem conquistar o título. Com imagens e entrevistas inéditas com nomes como Romário e Raí, a produção traz depoimentos de jogadores e adversários, revelando bastidores, tensões e momentos decisivos de uma conquista que marcou gerações. 

Estreia em 7 de maio.

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Tucci na Itália, 2ª temporada (Disney+)

Stanley Tucci (O diabo veste Prada) retorna com a série indicada ao Emmy em uma nova viagem pela Itália, agora explorando cinco localidades e suas tradições culinárias, de Nápoles à Sicília. “Na Itália, a comida nunca é apenas comida. É memória, identidade e, às vezes, uma discussão acalorada”, afirma Tucci. “Nesta temporada, exploramos como o passado continua moldando o presente, uma região e um prato diferente.”

Estreia em 12 de maio.

Isso ainda está de pé? (Disney+)

Dirigido por Bradley Cooper, o longa acompanha Alex (Will Arnett), que, enquanto enfrenta o fim de seu casamento, experimenta a comédia stand-up e tenta encontrar um novo propósito na meia-idade. Ao mesmo tempo, sua ex-esposa Tess (Laura Dern) revisita suas próprias escolhas e sacrifícios. Entre crises pessoais, os dois redescobrem o que significa amar, mesmo que de formas diferentes. 

Estreia em 13 de maio.

A empregada (Telecine)

Millie (Sydney Sweeney) acredita ter encontrado uma chance de recomeço ao ser contratada como empregada de um casal rico, Nina (Amanda Seyfried) e Andrew (Brandon Sklenar). Mas, aos poucos, ela descobre que os segredos da família são mais perigosos do que imaginava e talvez mais sombrios do que o próprio passado que tenta esconder. Dirigido por Paul Feig, o suspense adapta o best-seller de Freida McFadden.

Estreia em 15 de maio.

Rafa (Netflix)

Em clima de Roland Garros, torneio que Rafael Nadal conquistou o recorde de 14 títulos e que começa em 18 de maio, a série documental revisita a trajetória de um dos maiores tenistas da história em quatro episódios. Entre desafios e reflexões sobre sua última temporada, Nadal compartilha bastidores de sua carreira e o legado que construiu dentro e fora das quadras. 

Estreia em 29 de maio.

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Brasil 70: A saga do tri (Netflix)

A série relembra a campanha histórica da Seleção Brasileira na Copa do Mundo de 1970, quando o país conquistou o tricampeonato, no México, com uma das melhores equipes da história do futebol. Rodrigo Santoro vive o comentarista João Saldanho; Bruno Mazzeo, Zagallo, o estreante Lucas Agrícola, Pelé e Marcelo Adnet, um narrador de jogos.

Estreia em 29 de maio.

E se você não viu em abril, vale assistir…

A casa dos espíritos (Prime Video)

Baseada no best-seller de Isabel Allende, já adaptado para o cinema, a série acompanha três gerações de mulheres (Clara, Blanca e Alba) em meio a transformações políticas e sociais em um país sul-americano. Misturando realismo mágico e drama histórico, a trama percorre décadas de conflitos, amores e segredos familiares.

Já disponível, com novos episódios semanalmente.

Nouvelle Vague (Telecine)

Com direção de Richard Linklater, o filme recria os bastidores do filme Acossado (1960), clássico de Jean-Luc Godard que marcou a nouvelle vague. O filme, que estreou no Festival de Cannes, mergulha no processo criativo caótico do diretor, revelando sua relação com a própria juventude, a quebra de regras e o espírito revolucionário que ajudou a redefinir o cinema.

Marty Supreme (Prime Video)

Inspirado na vida do excêntrico jogador de tênis de mesa Marty Reisman, interpretado por Timothée Chalamet (nomeado ao Oscar por sua atuação), o filme mistura biografia e ficção ao acompanhar um jovem que sonha mudar de vida e competir no Japão. Entre partidas e esquemas improváveis para financiar sua jornada, a trama explora temas como ambição e redenção. Indicado a outras oito estatuetas, o filme de Josh Safdie tem no elenco Gwyneth Paltrow e o rapper Tyler, the Creator.

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Depois de começar o ano eleito pelo The New York Times como o único destino brasileiro a se visitar em 2026, Inhotim abriu seu calendário comemorativo no último sábado (24.04) com a inaguração da primeira panorâmica de Dalton Paula, uma exibição de davi de jesus do nascimento e uma obra inédita de Lais Myrrha.

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Dalton Paula Foto: Jhony Aguiar

Fanfarra, de Dalton Paula Foto: Icaro Moreno

Dupla cura, de Dalton Paula

Com curadoria de Beatriz Lemos, a mostra reúne 100 trabalhos do artista brasiliense, que completa 30 anos de carreira em 2027, com participação na Bienal de Veneza em 2024, obras no acervo do MoMA, Masp e Pinacoteca de São Paulo, além de vencedor do Chanel Next Prize. São instalações, fotografias, pinturas e vídeo-performances, de diferentes períodos de sua carreira – alguns saídos diretamente das paredes da casa da mãe do artista, revelou Júlia Rebouças, diretora artística de Inhotim –, além de trabalhos inéditos comissionados por Inhotim.

Fanfarra, uma pintura de 60 metros de largura, que traz apenas jovens negros, abre a mostra. Por meio de suas obras, Dalton, 44 anos, mergulha na representação da diáspora africana, recriando narrativas históricas e abordando saberes ancestrais e práticas comunitárias. Capas de antiga enciclopédias, por exemplo, ganham pinturas suas que evocam saberes populares. “Dalton Paula é precursor de uma gramática visual que reconfigurou a arte brasileira contemporânea”, diz Beatriz.

Em 2021, ele cofundou com Ceiça Ferreira o Sertão Negro, espaço sediado em um quilombo, em Goaiânia, que une ateliê, residência artística e práticas comunitárias e que ofereceu uma programação na 36a Bienal de São Paulo. “Sem dúvida nenhuma, é um dos gestos artísticos mais radicais da contemporaneidade”, diz a curadora. Dalton, que contou com a presença das escritoras Sueli Carneiro e Conceição Evaristo na abertura de sua mostra, levou o coral do Sertão Negro para se apresentar na inauguração, ao lado do coral da Escola de Música do Inhotim. “A música para mim é a maior das linguagens”, disse o artista.

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Foto: Icaro Moreno

Tororoma, de davi de jesus do nascimento

O artista de 29 anos, nascido em Pirapora (MG), às margens do Rio São Francisco, nos transporta com sua obra à região onde cresceu e vive. Na entrada da galeria, que ocupa uma casa campestre, um carranca (escultura usada por pescadores do São Francisco na proa de seus barcos como proteção espiritual) de Mestre Expedito, referência no ofício, nos recebe – davi tem um trabalho de preservação da obra de mestres carranqueiros.

Lá dentro, um espelho d’água remete ao sorvedouro (um redemoinho de águas profundas) – sua mãe, uma lavadeira, foi vítima de uma afogamento –, enquanto falsos escorpiões, sobem pelas paredes. Sobre o chão de terra, pinturas são marcadas por uma paleta terrosa. Em um vídeo-performance, gravado nas cavernas de Minas Gerais, Davi se contorce ao chão com um peixe – o artista é filho de um pescador.

A obra de davi, já assunto para as páginas da ELLE e exibida no Panorama da Arte Brasileira, no Museu de Arte Moderna de São Paulo, passa ainda por desenho, fotografia e escrita, em que ele difunde o vocabulário da população ribeirinha. A curadoria da exposição, que faz menção à obra do também mineiro Guimarães Rosa, é de Deri Andrade.

Foto: Icaro Moreno

Contraplano, de Lais Myrrha

Um dos pontos mais altos dos 140 hectares de Inhotim, com uma vista privilegiada, foi o escolhido para receber a escultura de 250 m2 da artista mineira, que participou da Bienal de São Paulo de 2016. Instalada em um um terreno de desnível, foi erguida com a ajuda de engenheiros e calculistas.

Contraplano faz referência direta ao edifício projetado por Oscar Niemeyer para a Praça da Liberdade, em Belo Horizonte, inserindo em meio à natureza o concreto e as linhas sinuosas do arquiteto, num diálogo harmônico, que possibilita diferentes enquadramentos da paisagem. A obra ainda proporciona uma área de sombra ao local. “Muitas obras externas (do Inhotim) não permitem que as pessoas fiquem ali. Queria uma coisa que as pessoas perdessem tempo, onde talvez elas pudessem não fazer nada”, diz a artista que se inspirou na marquise do Ibirapuera, também projetada por Niemeyer.

O trabalho de Lais, vizinha a Beam drop Inhotim (2008), de Chris Burden, rompe com a maioria de obras em grande escala do museu-parque, criadas por artistas masculinos e estrangeiros. 

Inhotim: Rua B, nº 20 – Fazenda Inhotim, Brumadinho – MG. De quarta a sexta-feira, das 9h30 às 16h30, e aos sábados, domingos e feriados, das 9h30 às 17h30 (nos meses de janeiro e julho, aberto também às terças-feiras). Entrada: R$ 65 (inteira) e R$ 32,50 (meia). Para mais informações, clique aqui. Dupla cura e Tororoma ficarão em exibição por três anos.

Bruna Bittencourt viajou a Brumadinho a convite do Instituto Inhotim

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Damián Ortega: matéria e energia

Obra Controller of the Universe, de Damián Ortega. Foto: Divulgação

No Masp, a mostra individual apresenta mais de três décadas de trabalho de Ortega, que transita entre fotografia, vídeo, escultura e instalação. Em sua abordagem, o artista mexicano convida o público a reexaminar objetos cotidianos para investigar narrativas sociais, econômicas e políticas. A exibição contará com a obra Cosmic Thing, de 2002, em que ele desmonta e ergue partes de um Fusca. A curadoria é do diretor artístico do Masp, Adriano Pedrosa.

Damián Ortega: matéria e energia: de 15 de maio a 13 de setembro, no Edifício Lina Bo Bardi, do Masp, na Avenida Paulista, 1.578, Bela Vista. Às terças, das 10h às 20h; às quartas, quintas, sábados e domingos, das 10h às 18h; e, às sextas, das 10h às 21h. Ingressos (válidos para visitação nas duas unidades): R$ 85 (entrada inteira); R$ 42 (meia-entrada). Às terças, a entrada é gratuita e, na sexta, a gratuidade ocorre das 18h às 20h30.

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Dignidade e luta: Laudelina de Campos Mello

Na foto, Laudelina de Campos Mello. Foto: Divulgação

A exposição no IMS Paulista conta a história de Laudelina de Campos Mello (1904-1991), liderança no reconhecimento dos direitos das trabalhadoras domésticas no país, e militante na luta antirracista. A mostra reúne fotografias, vídeos e outros documentos, além de obras de artistas como Maria Auxiliadora, Rosana Paulino, Walter Firmo, Mulambö, Gê Viana, Emicida e Arjan Martins. A curadoria é da artista e educadora Renata Sampaio e da historiadora Raquel Barreto, com assistência do museólogo Phelipe Rezende.

Dignidade e luta: Laudelina de Campos Mello : de 16 de maio a 22 de novembro, no IMS Paulista, na Avenida Paulista, 2424, Bela Vista. De terça a domingo e feriados (exceto segundas), das 10h às 20h. Entrada gratuita.

Vivian Caccuri – Pele azul

Obra de Vivian Caccuri. Foto: Divulgação

A exposição individual ocupa dois andares do Espaço Anexo do CCBB SP e conta com quatro obras, sendo três inéditas, da paulistana radicada no Rio de Janeiro. A mostra aborda relações entre a humanidade e outras formas de existência por meio da pesquisa da artista sobre mosquitos. A curadoria é de Bernardo José de Souza.

Vivian Caccuri – Pele azul: até 3 de agosto, no Espaço Anexo do Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo, na Rua Álvares Penteado, 112, Centro Histórico. De quarta a segunda, das 9h às 20h. Entrada gratuita.

Burle Marx: Plantas em movimento

Mangue, de Roberto Burle Marx. Foto: Instituto Burle Marx

Em parceria com o Instituto Burle Marx, o Museu Judaico de São Paulo apresenta uma exposição sobre a obra do paisagista e artista Roberto Burle Marx e de seus colaboradores. Com curadoria de Isabela Ono e Guilherme Wisnik, a mostra conta com desenhos de projetos, fotografias, filmagens e documentação de acervo, e também levanta a discussão sobre a função do paisagismo como ferramenta crítica diante de questões ambientais e sociais.

Burle Marx: Plantas em movimento: de 30 de abril a 2 de agosto, no Museu Judaico de São Paulo, na Rua Martinho Prado, 128, Bela Vista. De terça a domingo, das 10h às 18h. Ingresso: R$ 24 (R$ 12, meia-entrada). Aos sábados, o acesso é gratuito.

Joana Vasconcelos – Jardim do Éden

Vista da instalação Jardim do Éden, de Joana Vasconcelos. Foto: Rodrigo Reis

No Farol Santander, a instalação da artista portuguesa Joana Vasconcelos tem caráter imersivo e foi pensada especialmente para o espaço expositivo. Com curadoria de Fernando Zugno, a mostra convida o público a atravessar livremente um amplo jardim luminoso.

Joana Vasconcelos – Jardim do Éden: até 21 de junho, no Farol Santander, na Rua João Brícola, 24, Centro. De terça a domingo, das 9h às 20h. Ingressos: R$ 45 (R$ 22,50, meia-entrada).

Denilson Baniwa: Yawara Akanga

Obra Marajoara, 2026, de Denilson Baniwa. Foto: Pedro Agilson / Cortesia do artista e A Gentil Carioca

A exposição na galeria A Gentil Carioca conta com dez obras inéditas de Denilson Baniwa feitas em fibra de tururi, que dão continuidade à sua pesquisa sobre a presença não indígena na região do Rio Negro e no território amazônico.

Denilson Baniwa: Yawara Akanga: até 23 de maio, na Gentil Carioca São Paulo, na Travessa Dona Paula, 108, Higienópolis. De segunda a sexta, das 10h às 19h, e aos sábados, das 11h às 17h. Entrada gratuita.

Imbuídos das forças das florestas do Japão – Kigumi: revelando a carpintaria por trás da junta de madeira

Peça da mostra Imbuídos das forças das florestas do Japão – Kigumi: revelando a carpintaria por trás da junta de madeira. Foto: Divulgação

Parte do ciclo da Japan House São Paulo dedicado à marcenaria tradicional, a nova mostra convida o público a aprofundar o olhar na técnica chamada de kigumi, que consiste em entalhar e encaixar peças de madeira, sem o uso de pregos, parafusos ou ferragens. No segundo andar, será possível ver os mais de 50 encaixes selecionados pelo curador Marcelo Nishiyama, diretor associado e curador do Takenaka Carpentry Tools Museum.

Imbuídos das forças das florestas do Japão – Kigumi: revelando a carpintaria por trás da junta de madeira: de 5 de maio a 2 de agosto, na Japan House São Paulo, na Avenida Paulista, 52, Bela Vista. De terça a sexta, das 10h às 18h, e aos sábados, domingos e feriados, das 10h às 19h. Entrada gratuita.

Surrealismos: a arte além da razão

Retrato ancestral, de Flávio de Carvalho. Foto: Divulgação

A Pinakotheke abrirá a sua nova sede em São Paulo com uma exposição dedicada a diferentes facetas do surrealismo. Com curadoria de Max Perlingeiro e Tadeu Chiarelli, a exibição conta com aproximadamente 100 obras de nomes como Louise Bourgeois, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Diego Rivera e Tarsila do Amaral.

Surrealismos: a arte além da razão : de 18 de maio a 15 de agosto, na Pinakotheke São Paulo, na Rua Minas Gerais, 246, Higienópolis. Horários a confirmar. Entrada gratuita.

A seguir, saiba mais sobre o filme e os bastidores da produção.

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A nova trama

Andy (Anne Hathaway), agora uma jornalista consagrada, perde o emprego no momento em que recebe um prêmio por uma de suas reportagens. Enquanto isso, a revista Runway, dirigida por Miranda (Meryl Streep) com a ajuda de Nigel (Stanley Tucci), sofre uma crise de credibilidade. Andy volta, então, à sua antiga casa, agora como editora. 

A Runway também sofre com a crise no mercado jornalístico, e Miranda não tem mais o poder de antigamente, ficando na mão de anunciantes, como Emily (Emily Blunt), agora executiva em uma grife poderosa. O elenco segue como uma razão para se assistir ao filme.

Tanto dentro quanto fora da trama, o filme reflete seus tempos com graça e emoção. A crise no mercado editorial é real e atual, e Miranda teve de aprender que certas palavras e atitudes não cabem mais. O filme é mais inclusivo, com modelos de corpos diversos e personagens não-brancos. A relação entre as mulheres contém muitas farpas, mas também compreensão e cumplicidade. Dá até para dizer que O diabo veste Prada 2 tem mais emoção do que o original, podendo provocar lágrimas.

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Por que a sequência chega só agora

Desde o sucesso do primeiro filme, há especulação sobre uma sequência. “Mas dissemos não por 18 anos”, afirmou Frankel ao site Goldderby. Em 2024, porém, ele viu a recepção à reunião de Meryl Streep, Anne Hathaway e Emily Blunt na entrega do SAG Awards. Foi então que começaram as conversas.

A roteirista Aline Brosh McKenna, que também escreveu o primeiro filme, logo viu a chance de explorar as mudanças no mercado jornalístico. Essa transformação era uma maneira de explorar o legado de Miranda na trama e o quanto uma mulher de 70 anos poderia continuar trabalhando. “Aline encontrou uma razão para ir além da nostalgia, de dar ao público o que ele quer”, disse Anne no programa Today. “Ela achou algo novo para dizer por meio desses personagens, o que tirou muito da pressão.”

Era preciso encantar Meryl, sem ela não haveria continuação. A atriz ficou intrigada com as ideias apresentadas e se convenceu por causa do sucesso de uma sessão de O diabo veste Prada promovida em abril de 2024 em um cinema em Washington Heights, em Nova York, como parte de uma série chamada “Filmes que perdemos”, com curadoria do dramaturgo e ator Lin-Manuel Miranda (Hamilton).

Meryl Streep como Miranda Priestly em O diabo veste Prada 2. Foto: Macall Polay © 2025 20th Century Studios

As diferenças

O diabo veste Prada foi feito com um orçamento modesto, de cerca de US$ 35 milhões. O filme foi um sucesso, com bilheteria mundial de US$ 326 milhões. Desta vez, o orçamento foi significativamente maior. Segundo a revista Variety, ele gira por volta dos US$ 100 milhões, sem contar o marketing. A previsão é que, no fim de semana de estreia, ele alcance entre US$ 175 milhões a US$ 190 milhões de bilheteria mundial. Meryl, que brigou para receber US$ 5 milhões, em vez dos US$ 2 milhões oferecidos no primeiro filme, provavelmente recebeu um cheque bem mais polpudo agora. Se na produção original a atriz decidiu ficar afastada de Anne e Emily por causa da natureza de sua personagem, agora o set pareceu mais uma família. Ao longo desses 20 anos, Meryl trabalhou com Stanley (Julie & Julia, em 2009) e com Emily (Caminhos da floresta, em 2014, e O retorno de Mary Poppins, em 2018). E o ator tornou-se cunhado de Emily ao se casar com a irmã dela, Felicity.

Emily Blunt como Emily. Foto: 20th Century Studios © 2026

Caras novas

Mas nem só dos personagens adorados – embora nem sempre adoráveis – vive O diabo veste Prada 2. Há uma série de rostos diferentes na sequência, como Amari (Simone Ashley, de Bridgerton) e Charlie (Caleb Hearon), assistentes de Miranda, e Jin (Helen J. Shen), estagiária de Andy. O público também conhece Stuart (Kenneth Branagh), marido de Miranda, Irv e seu filho Jay Ravitz (Tibor Feldman e B.J. Novak, respectivamente), donos da editora que publica a Runway, a milionária Sasha Barnes (Lucy Liu) e seu ex, o bilionário da tecnologia Benji (Justin Theroux).

Já a participação de Sydney Sweeney foi cortada por uma decisão criativa. E o antigo namorado de Andy, Nate (personagem de Adrian Grenier no original), não aparece desta vez.

O filme traz várias figurações ilustres, incluindo Donatella Versace, Domenico Dolce, Stefano Gabbana, Brunello Cucinelli e Lady Gaga.

Stanley Tucci e Anne Hathaway no filme. Foto: 20th Century Studios © 2026

O figurino

Enquanto Patricia Field teve dificuldades de conseguir peças para o figurino do primeiro filme, supostamente porque ninguém queria se indispor com Anna Wintour, a editora de moda em quem Miranda foi inspirada, não faltaram opções para Molly Rogers, figurinista de O diabo veste Prada 2.

No caso de Andy, as roupas têm perfume masculino, misturando peças novas com outras vintage. No total, Anne teve 47 trocas de looks, sendo um dos mais marcantes o vestido Gabriela Hearst que ela usa no almoço nos Hamptons. Entre as marcas que atriz veste estão Armani Privé, Dolce & Gabbana, Tom Ford, Chanel e Paco Rabbane. Para Miranda, Molly pensou em uma estrutura parecida com um uniforme, nos moldes que Karl Lagerfeld usava. Ela veste Sa Su Phi, Dries Van Noten e Armani Privé. Pierpaolo Piccioli, da Balenciaga, desenhou um vestido vermelho de noite, e Meryl trouxe de uma rede de farmácias brincos de argola usados por sua personagem. Já Emily, que tem um estilo mais ousado, usou Jonathan Anderson para Dior, peças de arquivo Jean-Paul Gaultier e Rick Owens. 

O elenco principal do filme na pré-estreia do longa em Londres. Foto: Getty Images

Os cenários

A maior parte do filme se passa, lógico, em Nova York. O escritório de Miranda é diferente do primeiro filme, e a redação da Runway é aproximadamente oito vezes maior do que no original. A casa de Sasha Barnes em Vermont fica, na verdade, em Long Island, e é uma mansão de dez hectares pertencente ao cantor Billy Joel. Uma propriedade em Center Island serviu como a casa de Miranda nos Hamptons. A produção também filmou em Milão. O desfile da Runway foi na Accademia di Brera. O Museu da Última Ceia (pintada por Leonardo Da Vinci) foi recriado em estúdio para não ter perigo de danificar a obra de arte. A Villa Balbiano, que serve como espaço de eventos e fica pertinho da mansão de George Clooney (vista brevemente em uma das cenas), foi a casa de Benji Barnes no Lago de Como.

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“Tenho uma tendência – e isso tem ficado mais forte – de me apaixonar por personagens femininas que são malditas”, diz Alice à ELLE. Nesse universo, aparecem na lista da atriz potiguar nomes como Carol (interpretada por Rhea Seehorn), de Pluribus (2025-); Villanelle e Eve (Jodie Comer e Sandra Oh), as personagens principais de Killing Eve (2018-2022) e Fleabag, da série homônima (2016-19), criada e protagonizada por Phoebe Waller-Bridge.

Alice, que viverá Marta na cinebiografia inédita da jogadora de futebol, dirigida de Andrucha Waddington, lista à ELLE suas três anti-heroínas preferidas:

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Marcelia Cartaxo, como Zeza Vaqueiro, de Cangaço novo (2023-)

“Eu não poderia deixar de citá-la pela maneira como ela constrói a tia Zeza, sem ser maniqueísta, uma mulher da luta pelos camponeses, mas que também faz suas alianças para ter o que quer. Ela é uma anti-heroína.”

Onde assistir: Prime Video

 

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Viola Davis, como Annalise Keating, em How to get away with murder (2014-20)

“É uma personagem que sacralizou para o grande público o ofício de Viola e foi onde conheci o trabalho dela – a TV tem esse papel importante. Annalise tem a qualidade de anti-heroína (é uma advogada e professora de direito brilhante que se envolve em uma trama de assassinato com seus estudantes na história), e ela é uma atriz que não tem medo de fazer uma mulher maldita.”

Onde assistir: Disney+

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Débora Falabella, em Avenida Brasil (2012)

“De uma década pra cá, as novelas têm feito um trabalho muito interessante de colocar personagens que seriam de pura vilania num lugar de antivilania, mas que ainda assim são malvadas. E de pôr as heroínas como anti-heroínas. Acho que isso se aproxima muito mais das experiências humanas. Débora Falabella fez um trabalho muito corajoso e inesquecível na novela (a personagem da atriz, Rita/Nina, busca vingança contra a vilã interpretada por Adriana Esteves). Já entrou para o rol das grandes personagens de TV. É uma atriz que tenho muita, muita admiração. Sonho em trabalhar com ela e com a Marjorie (Estiano), que foram fundamentais na minha formação como atriz.”

Onde assistir: Globoplay e na Rede Globo, atualmente em reexibição no Vale a pena ver novo

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E é nessa área que Michael vai bem, sendo basicamente um longa-concerto, com as canções em forma de show ou videoclipe apresentadas por inteiro. É emocionante para os fãs saudosistas e para aqueles que nunca tiveram a chance de vê-lo ao vivo. De quebra, mostra um pouco do processo criativo do cantor, morto em 2009, aos 50 anos de idade, e interpretado aqui por seu sobrinho, Jaafar Jackson.

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Dirigido por Antoine Fuqua (Dia de treinamento, de 2001) e com roteiro de John Logan (indicado ao Oscar por Gladiador, de 2000, O aviador, de 2004, e A invenção de Hugo Cabret, de 2011), o filme começa com os Jackson 5, grupo que o cantor formou com seus irmãos, em 1965, quando ainda era criança – nessa fase, ele é interpretado por Juliano Krue Valdi. Engloba o início de sua carreira solo e o fenômeno Thriller (1982) e vai até sua apresentação em Londres, em 1988, na turnê de Bad (1987), mostrando a jornada de Michael do controle absoluto do pai até se estabelecer como um astro em constante mutação e romper artisticamente com a família.

O filme, porém, passa muito de leve pela história e é possível que alguns fiquem um pouco perdidos. Michael toca no tratamento violento e no abuso por parte de seu pai, Joseph (Colman Domingo), mostra as sessões de cinema com a mãe, Katherine (Nia Long), e a paixão exacerbada por animais. Mas tudo rapidamente. Aborda as cirurgias plásticas e o vitiligo sem mostrar como isso se transformou em polêmica na época, com muita gente dizendo que ele queria embranquecer. O longa também não trata das acusações de abuso sexual contra crianças, até porque o filme termina antes delas. Mas não era para ser assim. 

Judah Edwards como Tito, Jaylen Hunter como Marlon, Juliano Krue Valdi como Michael, Nathaniel McIntyre como Jackie e Jayden Harville como Jermaine, os Jackson 5, em Michael Foto: Lionsgate

Refilmagem

Originalmente, a história de Michael, que foi produzido com o aval da família e dos detentores do espólio do cantor, chegaria até 1993, quando ele foi acusado pela primeira vez de abuso sexual. Mas o acordo feito com os acusadores impedia a menção disso em qualquer obra cinematográfica, segundo a revista Variety. 

Por causa disso, foi preciso refilmar trechos. Foram 22 dias de filmagem extra, ao custo de US$ 10 milhões a US$ 15 milhões, de acordo com a revista, custeados pelo espólio. O longa termina então com Michael no palco, apresentando Bad, em Londres, em 1988, reforçando a preferência da produção de apostar na música em vez da vida atribulada do astro.

A produção atrasou ainda mais porque a casa do roteirista foi danificada pelos incêndios em Los Angeles em 2025. O longa, originalmente previsto para estrear em abril de 2025, foi adiado então para outubro, antes da nova e definitiva data de estreia. Há promessa, porém, de mais filmes, até porque o corte original tinha três horas e meia, enquanto o final ficou com pouco mais de duas.

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Jaafar Jackson como Michael na gravação de Thriller Foto: Glen Wilson

A ausência de Janet Jackson

Michael é produzido por Graham King e, por causa das refilmagens, os gerentes do espólio do cantor, o advogado da área de entretenimento John Branca (que aparece no filme, interpretado por Miles Teller) e o executivo musical John McClain, ganharam crédito, além de terem servido como consultores. Entre os produtores executivos estão os irmãos do cantor, Jermaine, Tito, Jackie, Marlon e LaToya. Mas Janet, a irmã mais nova, que teve um grande sucesso em sua própria carreira musical, não aparece nem é citada no filme e não compareceu a nenhum dos eventos de divulgação. LaToya, que é interpretada por Jessica Sula no filme, disse à Variety que “ela foi convidada e gentilmente declinou, então é preciso respeitar seus desejos”. O diretor Antoine Fuqua afirmou: “Tenho muito respeito e amor por Janet, e está tudo bem. Ela apoia Jaafar, e isso é o que importa”.

Dos filhos de Michael, apenas o mais velho, Prince, participou e foi presença diária no set de filmagem. Bigi e Paris não tiveram envolvimento, e ela criticou a produção, afirmando haver “muitas imprecisões” e “mentiras deslavadas”. Em um vídeo publicado em suas redes sociais, Paris disse: “O filme agrada a uma parte muito específica dos fãs do meu pai, que ainda vivem nesse universo de fantasia. E eles ficarão felizes com isso”.

Jaafar como Michael em apresentação de Billie Jean Foto: Glen Wilson

O sobrinho no papel principal

Em compensação, o sobrinho de Michael acabou escalado para viver o tio. Jaafar, 29 anos, é filho de Jermaine, quarto dos dez filhos de Joe e Katherine. Ele canta e dança desde criança e morou em Hayvenhurst, a primeira mansão da família, onde todos viviam juntos. Jaafar nunca tinha tido experiência como ator. Durante dois anos, trabalhou com um coach de atuação e praticou os intricados passos de Michael muitas horas por dia, com a ajuda dos coreógrafos Rich e Tone Talauega. Também teve acesso a seus arquivos pessoais – o astro morreu quando Jaafar tinha 13 anos, e o adolescente não tinha proximidade com o tio, que já tinha se mudado para o rancho Neverland e visitava às vezes sua antiga casa. Depois, contou com o trabalho do maquiador Bill Corso, que aproximou seus traços aos do cantor. Em certos ângulos, a semelhança é impressionante.

As músicas

Michael quer agradar aos fãs e aposta na música para isso. Juliano Valdi canta sucessos da fase mirim do cantor, como “ABC” e “I’ll be there”. Apesar de encerrar o filme, sua apresentação de “Bad” no estádio de Wembley, em Londres, em 1988, foi a primeira a ser filmada, diante de centenas de figurantes. Foi também recriada a performance de “Billie Jean” no especial Motown 25: Yesterday, today, forever, em comemoração do aniversário da gravadora responsável por ajudar o Jackson 5 a estourar no mundo todo. Depois, o filme recria o processo criativo por trás do videoclipe de “Beat it” e a filmagem de Thriller.

O figurino

Quando se libertou das amarras familiares e tomou conta de sua carreira, Michael se transformou em um artista de visual icônico. Era reconhecido pela luva única de lantejoulas, as jaquetas militares, o mocassim preto com meias brancas e óculos aviador. A figurinista Marci Rodgers (Infiltrado na Klan, de 2018) foi responsável por recriar os looks únicos do cantor. Para isso, visitou o Museu Grammy e os arquivos do espólio para ver de perto a jaqueta vermelha do videoclipe de “Thriller”, feita por Marc Laurent, e as roupas roqueiras na turnê de Bad. De fita métrica na mão, ela mediu a largura das peças e de detalhes, como as fivelas. Também conversou com a figurinista do videoclipe mais famoso de todos os tempos e ficou sabendo que a calça teve de ser tingida à mão, porque na época a Levi’s não fazia calças vermelhas. Seguindo o processo original, ela também produziu à mão as luvas para Jaafar.

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Passando do cenário caótico e urbano que marcou o primeiro ano, protagonizado por Steven Yeun e Ali Wong, para um clube de campo de elite na Califórnia, a nova leva de episódios da antologia explora dinâmicas de poder. “Em vez de um conflito no estilo casal boomer versus casal mais jovem, que já vimos bastante na TV, pensamos: ‘E e se eles fossem mais próximos em idade e destacássemos o abismo geracional entre um casal millennial e um da geração Z?’. Foi assim que chegamos a Oscar Isaac, Carey Mulligan, Charles Melton e Cailee Spaeny para os protagonistas”, conta Lee Sung.

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De um lado, na trama, os jovens Austin (Melton) e Ashley (Spaeny), funcionários precarizados, apaixonados e com uma visão idealizada do amor. Eles são ingênuos e emocionalmente dependentes. Do outro, Josh (Isaac) e Lindsay (Mulligan), um casal mais experiente e aparentemente estável, mas que não se conecta mais e beira o colapso. O ponto de ruptura, que na primeira temporada era uma discussão no trânsito, acontece quando uma briga violenta entre os mais velhos é testemunhada e gravada pelos mais novos, o que desencadeia uma sequência de manipulações, favores e ressentimentos.

O elenco ainda conta com Youn Yuh-jung, que se tornou a primeira sul-coreana a vencer o Oscar como melhor atriz coadjuvante pelo filme Minari (2020), como a nova proprietária do clube. Traz ainda Song Kang-ho, outro ator sul-coreano que ganhou destaque internacional por sua atuação no filme Parasita (2019), também vencedor do Oscar, como o segundo marido dela na trama.

Confira a conversa com os protagonistas:

Terapia

Oscar Isaac: “O que realmente me empolgou foi conversar com o Sonny (como Lee Sung é chamado pelos amigos). Tínhamos conversas longuíssimas pela internet algumas vezes por semana. Virou quase uma sessão de terapia para mim. Ele é muito aberto e interessado em falar sobre coisas pessoais como amor, relacionamentos e propósito, e como tudo isso muda conforme envelhecemos. Eu me conectei com a espiritualidade dele. Voltei e reassisti à primeira temporada de Treta e achei não só hilária, mas também muito emocionante. O ponto de vista é satírico e irônico, mas encontra o humor nessas situações de uma forma bonita e compassiva”.

Carey Mulligan: “Muito disso veio da vontade de trabalhar com o Sonny e fazer parte de qualquer história de Treta que viesse a seguir. A Lindsay me lembrou muitas pessoas. Reconheci muito no dilema dela, de chegar a um ponto da vida e perceber que talvez não seja onde você imaginava estar. Isso pode enlouquecer um pouco as pessoas, e eu vi um pouco dessa loucura nela, o que achei interessante de interpretar”.

Charles Melton como Austin e Cailee Spaney como Ashley (à frente) e Oscar Isaac como Josh e Carey Mulligan como Lindsay (ao fundo) na segunda temporada de Treta Foto: Netflix

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Velhos conhecidos

Oscar Isaac: “A Carey é a melhor atriz com quem já trabalhei. Ninguém se compara a ela para mim. Ela é incrivelmente engraçada, profunda e sensível. É intuitiva e extremamente precisa ao mesmo tempo, é quase um truque de mágica”.

Carey Mulligan: “O Oscar é a pessoa mais divertida para brigar em cena. A gente se divertiu muito. Muitas das nossas cenas são bem intensas. Nos conhecemos filmando Drive (2011) e depois Inside Llewyn Davis – Balada de um homem comum (2013), e somos amigos desde então. Quando você conhece alguém há tanto tempo, muita coisa já está resolvida na relação”.

Contracenando com Cailee Spaeny e Charles Melton

Carey Mulligan: “Eu e o Oscar ficamos impressionados com o quanto Charles e Cailee foram incríveis na leitura de roteiro. Atuar com ela é maravilhoso, cada take é diferente e ela é muito verdadeira. Ela interpreta alguém em um ritmo quase frenético, o que é difícil, mas faz muito bem. Quando Lindsay conhece Ashley (Cailee), fica irritada com ela, como se fosse uma criança que não entende com o que está lidando. Ao longo da temporada, ela passa a gostar dela, e há um momento em que percebe que Ashley pode ser sua única amiga de verdade. É uma montanha-russa emocional”.

Oscar Isaac: “A Cailee e o Charles são incríveis. Muito talentosos e comprometidos. Sou fã da Cailee há bastante tempo, já vi muito do trabalho dela e acho extraordinário”.

“O que espero que as pessoas sintam, como na primeira temporada, é uma experiência catártica, de rir e chorar ao mesmo tempo” Cailee Spaney

A jornada dos personagens mais jovens

Charles Melton: “Parte da jornada do Austin é descobrir que sua identidade era uma espécie de máscara. Ele é ex-jogador de futebol, bom com pessoas, adora treinar e sempre tenta fazer a coisa certa, mesmo quando não é o melhor para ele. Ele vive pensando nos outros. Essa máscara vai sendo retirada ao longo da temporada. Tem um senso moral forte, especialmente nos relacionamentos, e caminha nessa linha tênue entre a codependência e tentar fazer o certo enquanto descobre novas camadas da parceira”.

Cailee Spaeny: “Ashley tem medo de não alcançar o futuro que sempre imaginou e que acha que merece. Ela pensa: ‘Se eu conseguir um plano de saúde, vou ter a vida que sempre quis’.” Mas, quando experimenta isso, não é suficiente e quer ter algo ainda melhor. Essa obsessão a consome, e vemos ela se desintegrando aos poucos. Quando Ashley cruza com Josh (Oscar), dá para perceber um vislumbre de que ela pode se tornar uma espécie de Josh 2.0.”

Cailee Spaeny, Carey Mulligan e Charles Melton em cena da série Foto: Netflix

Trabalho em equipe

Charles Melton: “Eu amo a Cailee. Ela é incrível, uma atriz extremamente talentosa e uma pessoa ainda melhor. Somos muito próximos na vida pessoal, quase melhores amigos, então é muito divertido trabalhar juntos. Sempre descubro coisas novas nas nossas cenas”. 

Cailee Spaeny: “Eu e o Charles estamos interpretando os lados mais constrangedores de nós mesmos o tempo todo, e nunca me senti tão confortável com um colega de cena. Posso me jogar sem medo, e a gente só ri. Não existe julgamento com ele. Ele é muito generoso e me apoia sempre, quase todo dia me manda mensagem dizendo: ‘Você foi incrível hoje’. Nunca me diverti tanto trabalhando”.

Contracenando com Oscar Isaac e Carey Mulligan 

Charles Melton: “Sou fã do Oscar há muito tempo. Ele é muito fluido e colaborativo. Tem formação em Juilliard, está em outro nível. Foi muito divertido trabalhar com ele”.

Cailee Spaeny: “Foi muito interessante explorar a dinâmica feminina da série e ver como a Ashley precisa dessa amizade com a Lindsay. Ela está em um relacionamento amoroso codependente e parece não ter muitos amigos. Há muita mentira na relação com a Lindsay, mas, no fundo, existe uma necessidade emocional genuína e foi muito rico explorar isso com a Carey”.

Charles Melton, Cailee Spaeny e Carey Mulligan em Treta Foto: Netflix

A diferença entre as duas temporadas

Charles Melton: “Todos queremos ser vistos. O Austin quer ser útil, ter propósito. A temporada aprofunda isso e também fala sobre conflitos nos relacionamentos e decisões difíceis da vida adulta. É um ciclo, cada geração acha que é melhor que a anterior ou a próxima. Esse trauma intergeracional na busca pela felicidade não é novo, e vemos três gerações passando por isso na série”.

Cailee Spaeny: “Esse conflito continua, mas em uma escala maior. O que espero que as pessoas sintam, como na primeira temporada, é uma experiência catártica, de rir e chorar ao mesmo tempo. Espero que a série provoque conversas, seja entre um casal ou depois de um dia cansativo, ajudando a liberar frustrações. Essa é a beleza de Treta”.

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Com a supervisão de Carlinhos, coreógrafos, bailarinos e especialistas traduziram para partituras movimentos de danças por meio do método Benesh, um sistema internacional usado nos balés europeus – a exemplo da música, danças são registradas em partituras há mais de 50 anos. Esse trabalho contou como uma coreóloga francesa, que fez marcações, sistematizou movimentos para produzir cada sequência coreográfica – são poucos profissionais desse tipo no mundo.

O Dancebook Brasil é lançado em formato de livro. Com mais de 150 páginas, conta com fotografias de Maurício Nahas e textos sobre cada dança, do seu cenário cultural às características coreográficas. O objetivo é que ele esteja disponível em acervos de importantes centros de dança do mundo, levando a dança brasileira a núcleos de registro e preservação. Os vídeos que detalham o processo de tradução dos movimentos para a notação Benesh estão disponíveis nas redes sociais do banco.

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