Idealizada pelas consultoras Camila Villas e Marília Biasi e pela jornalista Lilian Pacce, e com apoio da Brasil Eco Fashion Week (BEFW) e de Instituto Febre, a mostra apresenta os trabalhos de 14 estilistas brasileiros radicados no Reino Unido, além de produtos feitos no Brasil com uso de matéria-prima ou serviços orientados pela sustentabilidade. 

Projeto Akra. Foto: LUFRE | @lufreeev

Entre criadores, marcas e organizações, os participantes são: ​​Aiper, BeLeaf, Bottletop, Catarina Mina, Ceyla Lacerda, Clements Ribeiro, FarFarm + Fibershed Brasil, FarmRio, Fernando Jorge, Gerbase, João Maraschin, Karoline Vitto, Mabe Bio, Pedro Lourenço, Renata Brenha, R-Inove, Royal College of Art, Togetherband, Veja (Vert Shoes), Waiwai Rio, Nova Kaeru, O Casulo Feliz. Projeto Akra.

Um dos destaques, são as discussões e amostras de estudos e soluções pioneiras para o futuro dos têxteis, apresentadas pelo Centro de Circularidade Têxtil e Centro de Pesquisa do Royal College of Art, em parceria com a Universidade de São Paulo (USP). E também as mesas e painéis de debates que acontecem paralelamente à exposição.

Potencialidades brasileiras

Rafael Morais, diretor executivo da Brasil Eco Fashion Week, vê a exposição com ânimo e a considera uma forma de mostrar a diversidade e grandiosidade do Brasil, junto à qualidade da economia nacional. “Sabemos dos problemas, mas temos muito potencial em projetos culturais e sociais que envolvem cadeias femininas, indígenas, quilombolas etc.”, diz ele.

Uma desses projetos é a FarFarm, que em parceria com a Fibershed Brasil apresenta uma seleção de fibras nacionais (buriti, caroá, algodão, curauá, sisal e tucum), cultivadas com os princípios da entidade, que são práticas agroecológicas e sistemas de agroflorestas em sinergia com as comunidades produtoras.

Bolsa, Catarina Mina. Foto: Divulgação

LEIA MAIS: Quais são os possíveis caminhos para uma moda agroecológica?

“O processo por trás dos produtos de design e de moda feitos com essas fibras é genial, da sua extração ao processamento até a criação das peças. Ele diz muito sobre a força do trabalho comunitário e sobre viver e criar em equilíbrio genuíno com a natureza”, continua Mariana Gatti, sócia e diretora de projetos de moda e têxteis da FarFarm. 

Durante o processo de desenvolvimento da exposição, ela conta como pôde aprofundar seu conhecimento sobre os materiais. “O tucum tem um forte significado religioso e cultural para diversas etnias amazônicas, como os Kayapó, Tukano, Parakanã e os Guajá”, explica ela. 

Algodão colhido e cultivado em agroecologia pela FaFarm Foto: Divulgação

“O trabalho com as fibras é feito majoritariamente por mulheres, e seu beneficiamento representa um fortalecimento do vínculo dentro da comunidade. O caroá vem de uma bromélia fibrosa e tem um papel econômico e cultural muito importante no Nordeste do país. Essas fibras realmente nos ajudam a contar a nossa história social e ambiental”, fala Mariana.

Para Celina Hissa, fundadora da Catarina Mina, um dos pontos positivos do evento é visibilizar a cultura e a biodiversidade brasileira. Ela conta que os itens expostos foram desenvolvidos no Travessias, um projeto que viajou por seis cidades e grupos, somando seis tipologias artesanais diferentes. Entre as peças, estão um caftan, tecido com as rendeiras de bilro no Trairi, e uma bolsa que mistura duas padronagens: o crochê, que é uma técnica favorita da marca, e a palha de carnaúba, um símbolo do Ceará. 

Renata Brenha. Foto: Xavier Mas

Pioneira em implementar sistemas de custos abertos, a Catarina Mina insere um QR Code em cada um de seus produtos, contendo a assinatura da mulher que o fez. Celina acredita que isso “é muito significativo, porque a gente entende essas artesãs não só num lugar de fazer, mas como guardiãs de uma memória, de um fazer centenário. Temos olhado muito para isso também: além do impacto social, o  impacto cultural, e ficamos muito felizes de ver tudo isso sendo representado em Londres”. 

LEITA TAMBÉM: Nem tudo que é falso é ruim

Confira abaixo mais detalhes dessas 06 tendências da semana de moda de Londres:

Alfaiataria não tão clássica

Erdem, inverno 2026. Foto: Getty Images

Simone Rocha, inverno 2026. Foto: Getty Images

Tolu Coker, inverno 2026. Foto: Getty Images

O cinza continua quente

Burberry, inverno 2026. Foto: Getty Images

Erdem, inverno 2026. Foto: Getty Images

Joseph, inverno 2026. Foto: Getty Images

Jeans high-low

Conner Ives, inverno 2026. Foto: Getty Images

Toga, inverno 2026. Foto: Getty Images

Erdem, inverno 2026. Foto: Getty Images

Tricôs reinvetados

Joseph, inverno 2026. Foto: Getty Images

Chet Lo, inverno 2026. Foto: Getty Images

Pauline Dujancourt, inverno 2026. Foto: Getty Images

Silhuetas históricas

Simone Rocha, inverno 2026. Foto: Getty Images

Masha Popova, inverno 2026. Foto: Getty Images

Erdem, inverno 2026. Foto: Getty Images

Detalhes felpudos

Burberry, inverno 2026. Foto: Getty Images

Goyagoma, inverno 2026. Foto: Getty Images

Simona Rocha, inverno 2026. Foto: Getty Images

Leia mais: Tudo sobre a semana de moda de Milão de inverno 2026

Se preferir, você também pode ler este podcast:

Começou, na última sexta-feira, dia 18 de fevereiro, a Semana de Moda de Londres. Mas antes de começar a falar sobre os desfiles da cidade inglesa, a gente tem que comentar uma apresentação que acabou de fora do episódio passado por causa da data de gravação do podcast.

A Telfar encerrou a semana de moda de Nova York com um desfile desses de ficar na memória. Em um palco redondo envolto pelo público, o estilista libério-americano Clemens Telfar criou uma espécie de reality show/canal de varejo estilo Polishop e QVC para apresentar suas coleções.

Isso, você ouviu certo, foram duas coleções e uma bolsa nova que virou queridinha instantaneamente. Assim que o QR Code da bolsa apareceu na tela de transmissão do desfile, o acessório esgotou em segundos. Para se ter uma ideia a emoção foi tão grande que o estilista reapresentou a bolsa também no programa da Wendy Williams, com direito a plateia gritando, como você acabou de ouvir.

O vídeo oficial da Telfar foi veiculado na Telfar TV, um canal criado pela marca que fica 24 horas online passando imagens aleatórias e, vez ou outra, alguns apresentadores entrando ao vivo para vender peças e bolsas.

No Twitter, na manhã seguinte da apresentação, só se falava disso. As roupas tinham o quê esportivo com toques de glamour que a marca costuma fazer, principalmente depois de Telfar ter desenhado o uniforme do time da Libéria, para a Olimpíada de Tóquio.

Dois dias depois da apresentação histórica da Telfar, com um dia de folga para os fashionistas viajarem para o seu próximo destino, começaram os desfiles de Londres. A semana, conhecida por ser a mais criativa e inovadora do calendário, também não deixou a desejar.

Uma das primeiras imagens a nos impactar foi o desfile de Jack Irving, estilista que já vestiu nomes como Lady Gaga, que você acabou de ouvir, Paris Hilton e Doja Cat, e que estreou na semana de moda de Londres nesta temporada.

O choque fica por conta das peças com tentáculos acoplados a corsets que se moviam enquanto a modelo dava seu pivô e ao vestido inflável, que lembrava uma anêmona. Vale muito conferir esses vídeos no Instagram da Moda Brasil Brasil.

Passando para os desfiles mais clássicos e menos loucurinha, por assim dizer, tivemos Matty Bovan. Se na temporada passada o estilista inglês tinha se embrenhado no crochê, nesse inverno 2022 ele retorna à sua pesquisa inicial de upcycling. E teve alguma ajuda pra isso. Marcas como Vivienne Westwood, Converse, Adidas e Calvin Klein doaram peças e sobras de estoque para serem reaproveitadas e transformadas em saias, vestidos e casacos ultravolumosos.

Já na Loverboy, etiqueta de Charles Jeffrey, o designer decidiu explorar a sinestesia, uma condição que faz com que o estímulo de um sentido cause reações em outro. Pra ficar mais fácil: é como se pudéssemos ver músicas. E foi esse seu ponto de partida. Em um vídeo transmitido um dia antes da abertura de trabalhos da semana de moda, ele se inspirou em vários movimentos dos anos 1970 e 1980, como o No Wave e a Op Art, criando uma moda com silhuetas em formas de instrumentos musicais, como violoncelos e flautas.

As estampas são clássicas, como tartans, listras de preto e vermelho e o pied-de-poule, mas se transformraam na mão de Jeffrey, que faz qualquer coisa ordinária virar diferentona o suficiente para ser apresentada em Londres.

Também tivemos Harris Reed, que fez uma releitura dos trajes da realeza da Era Vitoriana através das lentes dos jovens clubbers londrinos. Sempre superdramático e teatral, dessa vez Reed foca também em peças para o dia-a-dia, como opções de alfaiataria. E o mais interessante: com tecidos reaproveitados, mas com qualidade altíssima.

Priya Ahluwalia, estilista com ascendência indiana e nigeriana também foi um dos destaques da temporada. Sem seguir tendências ou padrões eurocentrados, ela se inspirou na indústria do cinema indiano, Bollywood, da paleta de cores até o estilo das roupas. Tem tops e saias curtinhos, ternos poderosos, bermuda ciclista e estampas que lembram camisetas de merch de banda, mas com personagens indianos. Nesse desfile, até o andar das modelos era diferente, com a mão na cintura. Uma pose de confiança, segundo explicou a própria Ahluwalia. O casting só de mulheres e homens pretos e pardos também chamou a atenção. Novos rostos, novos ares, algo urgente para a passarela.

Por falar em casting, vale destacar que essa semana londrina mostrou que, cada vez mais, a padronização de corpos está fora de moda. Nesta temporada, a sensualidade e a elegância, sempre associadas a mulheres magérrimas, abriram espaço para uma pluralidade maior de silhuetas. Assim como em Nova York, a inclusão de pelo menos um corpo não-magro por desfile nesta temporada foi mais abrangente. Pouco, mas ainda bem!

A premiada estilista albanesa Nensi Dojaka, por exemplo, mostrou pela primeira vez suas peças em uma modelo plus size. Em seu segundo desfile em Londres, Nensi exibiu uma mistura entre as técnicas de lingerie com roupas de sair e outras peças do guarda-roupa feminino. Teve mais alfaiataria, vestidos de festas, tricôs e até casacos e jaquetas puff.

Mas, de maneira geral, qual foi o mood da temporada? Olha, neste inverno 2022, a temporada londrina teve um quê sombrio, obscuro e melancólico em várias apresentações. Aliás, essa é a tendência máxima por lá: além da criatividade inerente à cidade, bombaram os looks todos pretos, com muito tule, transparência e aquele ar de mistério, mas também bastante sensual. Entre as marcas que entraram nessa tendência, temos Erdem, Raf Simons e Simone Rocha.

Na Simone, seus característicos babados e rendas românticas, cheias de camadas, ganharam uma roupagem bem sombria. A estilista se inspirou no conto irlandês Children of Lir, em que os filhos de um rei são enfeitiçados por uma amante ciumenta do monarca e transformados em cisnes por centenas de anos. Quando finalmente conseguem retomar a forma humana, eles morrem de velhice.

Mas esse é só um detalhe ao olhar para essa coleção, já que, além dos códigos conhecidos de sua estética, ela também apresentou looks mais sequinhos e curtos e até algumas transparências, que trazem um ar de sensualidade a essa mulher que está sempre coberta por várias camadas de babados, rendas, tules e veludos.

Já na apresentação de Raf Simons, que não faz exatamente parte do line-up da Semana de Moda londrina, mas desfilou virtualmente sua coleção no último dia de evento, esse tom obscuro vem acompanhado com sofisticação e polidez.

Depois de anos vendo interpretações infinitas de streetwear, parece que o estilista belga percebeu essa vontade do consumidor por uma roupa mais elegante. Seu desfile rolou em uma sala com paredes de tijolos, carpete rosa claro e móveis cobertos por um tecido vermelho, como em uma casa abandonada. A música estilo filme de terror acompanhava os looks em cartela de cores sombria, quase toda em pretos, cinzas, marrons com alguns pontos de luz, como no blazer roxo de pelinhos e no casacão vermelho sangue.

E teve o desfile da Erdem. Mas quem vai falar sobre ele é nosso editor de moda Lucas Boccalão, que colocou a marca no seu pódio da temporada:

“Eu adoro o trabalho do Erdem e amo esse novo desfile. Ele sempre tem um trabalho romântico né que era muito calcado na ideia de fazer roupas artesanais com essas técnicas de alta-costura, principalmente roupa de moda festa com essa estética delicada muito feminina. De alguns tempos pra cá, ele tem ficado um pouco mais dark, as coleções tem ficado mais contemporâneas, ele tem explorado um caminho bem interessante na alfaiataria. Nessa estação, que ele se inspira nos anos 1930, na cultura progressista dos anos 30, ele fala de jovens saindo de um clube ou de algum lugar em que eles tinham essa liberdade de existir. Nessas lugares tinham mulheres lesbicas, pessoas que hoje são denominadas não binárias e homens gays artistas da cultura queer que se encontravam pra festejar. Os destaques da coleção com certeza são os vestidos. A pesquisa têxtil do Erdem é impressionante, ele faz jacquards adamascados, uma lã num casaco de alfaiataria que vai filetando da metade do desfile pra frente e a estampa de flores que vai ficando escura até cair numa série de franjas. São os looks mais bonitos. Adoro o styling do Ibrahim Kamara que atualizou a marca de um jeito que fazia tempos que ela não era vista. Ele acabava tendo um jeito muito conservador e tradicional de apresentar as roupas e o Ibrahim trouxe um frescor e uma modernidade que ele não teria conseguido pra essas últimas apresentações.”

Fora do line-up oficial e dos nomes que batem ponto toda temporada, rolou também o retorno de dois estilistas importantes à passarela. Ozwald Boateng, o primeiro estilista negro da Savile Row, desfilou suas criações pela primeira vez em 12 anos.

Com cerca de 100 looks e nomes como Idris Elba e Nicholas Pinnock na passarela, seu desfile foi uma celebração à cultura negra. Pouco antes do desfile, em entrevistas no backstage, ele contou que nunca falava sobre os problemas que enfrentava, porque não gostaria que sua raça definisse o que ele faz, principalmente como única pessoa negra na sala, mas que agora estamos em um mundo onde podemos finalmente ter essas conversas.

E Londres também teve nome brasileiro na área: o mineiro Inácio Ribeiro, que no fim do ano passado relançou sua icônica marca de knitwear Clements Ribeiro, agora sem a presença de sua esposa Suzanne Clements, que hoje é artista plástica. O retorno à semana de moda londrina veio através de uma coleção colorida e cheia de vida feita em parceria com a Maison Barrie, escocesa especializada em cashmere que integra inclusive o Métiers d’Arts, da Chanel. Nos looks, vestidos, conjuntinhos, blusas e suéteres listrados em tons vibrantes. E a trilha sonora não podia ser outra: o estilista convidou a academia de dança Pé Descalço para fazer uma performance ao som de um forrozinho.

E aproveitando o embalo da London Fashion Week, a gente vai adiantar um pouco a participação do nosso editor de beleza. É que na pílula de beauté da semana, o Pedro Camargo vai comentar as tendências de beleza da passarela londrina. Conta mais pra gente, Pedroca!

“Oi, turminha! Estamos em plena temporada de moda e enquanto vocês espiam as roupitchas mais quentes do pedaço, eu tô de olho é nas belezas que aparecem nas passarelas. Da semana de moda de Londres de inverno 2022 que acabou de acabar, já dá para tirar algumas tendências. Primeiro, acho legal a gente comentar que tem uma onda glam rock rolando por aí. Pense no novo visual da Miley Cyrus e note: ele estava em vários desfiles da semana de Nova York (em uma versão quase grunge) e aparece de novo em Londres, em marcas importantes como Halpern e o comeback de Ozwald Boateng. Depois, como a gente já avisou em Moda Brasil.com.br, as pedrarias estão voltando com tudo. Não deixem de ver a versão do Thomas de Kluyver para o desfile da estilista irlandesa Simone Rocha: é uma surra de cristais de fazer a gente perder o fôlego. Além disso, mood sessentinha na área: os cílios inferiores bem destacados à la Twiggy estão aparecendo novamente. O visual super romântico e retrô deu as caras no desfile do maluquinho Richard Quinn e de Supryia Lele. Por fim, o clássico delineador preto ganha nova roupagem no que depender de desfiles como Molly Goddard e Roksanda. Enquanto a primeira aposta em uma versão parecida com a da Maddy de Euphoria, ultra alongada, a segunda faz a linha modernosa e traça dos riscos paralelos em cima e embaixo do olho. Por hora, é isso aí, gatinhas! Na semana que vem voltamos com as news de Milano! Andiamo!”

Marc Jacobs apresenta upcycling em inverno 2022

Ele sempre deu a última palavra da Semana de Moda de Nova York. E, dessa vez, apesar de não fazer mais parte do calendário oficial estadunidense, não foi diferente: Marc Jacobs apresentou uma coleção, assim que a New York Fashion Week acabou.

Rolou na sexta-feira passada, dia 18, e de um jeito bastante sutil, ainda que o conteúdo seja poderoso. O estilista apresentou um lookbook digital com 10 looks que revelam o seu inverno de 2022. E, olha, muito fã de sua moda ficou feliz.

Tem um pouco de gótico, um pouco de grunge, vários elementos bastante característicos de Marc Jacobs quando ele olha para a juventude. As roupas ainda carregam aquela silhueta de casulo, com o volume dos agasalhos acolchoados e o jeitão de roupa de neve da temporada passada, mas com aquele toque couture e também supercontemporâneo.

Nessa temporada atual, dá pra enxergar algumas diferenças também, como, por exemplo, um trabalho específico com materiais já existentes. No look usado por Bella Hadid, há um patchwork com jeans preto, enquanto que a irmã, Gigi Hadid, usa uma saia que também é a união de denim antigo.

Existe um “quê” de destruição, que também pode ser lido como um DIY, um nascer das cinzas, uma regeneração após tempos sombrios e desgastados.

E vale lembrar que tem sido uma era realmente de mudanças para a própria marca de Jacobs. Ele tem aproveitado para impulsionar mais a sua grife adolescente, a Heaven, e os produtos que fazem mais sentido ao carregar sua assinatura. Saem na frente os looks urbanos, com direito a logo exagerado, daqueles que deixam bem claro quem desenhou a roupa. E como sua clientela é feita de fã isso tem mais do que funcionado.

Bottega Veneta cria aplicativo para primeira coleção de Matthieu Blazy

Se teve um “Casos de Família” das modas, em 2021, foi a dança das cadeiras na Bottega Veneta, no final do ano passado.

Quem acompanha o Moda Brasil News lembra. Daniel Lee era o diretor criativo da casa, ele ficou por cerca de três anos na grife italiana traçando um plano bastante específico de comunicação em relação às redes sociais. A Bottega Veneta deixou de ter Instagram, por exemplo.

Lee também lançou hit atrás de hit quando o assunto era acessório, foi indicado a quatro prêmios do British Fashion Awards por seu trabalho na marca e ganhou todos. Até que, de repente, ele foi demitido. A marca registrava um aumento de receita 24,2% maior em 2021 em relação ao ano anterior e, mesmo assim, o estilista foi pra rua.

O buchicho que nunca foi muito esclarecido era o de que as relações entre o designer chefe e o restante da equipe criativa não eram, assim, das melhores. De toda maneira, um outro nome foi colocado no lugar: o então diretor de design do prêt-à-porter, Matthieu Blazy, estilista que tem no currículo passagens pela Céline de Phoebe Philo, a Calvin Klein de Raf Simons e a Maison Margiela.

E é amanhã! Isso mesmo. Neste sábado, dia 26 de fevereiro, Blazy apresenta as suas primeiras criações enquanto novo diretor.

E a primeira mudança já é essa aí, logo de cara: a etiqueta voltou ao calendário oficial internacional, mais especificamente a Semana de Moda de Milão. E o desfile de Blazy vai acontecer na cidade, no Palazzo San Fedele, o espaço que posteriormente abrigará a nova sede da Bottega Veneta em 2023.

Para quem se lembra, Daniel Lee foi o responsável por deixar o calendário oficial e dava preferência a shows presenciais em cidades como Londres, Berlim e Detroit, para pouquíssimos convidados e quase que de maneira secreta, dividindo com a imprensa o que rolava só tempos depois.

Já sobre a apresentação de Blazy também há muito mistério envolvido, mas, na última terça-feira, dia 22, uma pista surgiu: a Bottega Veneta lançou um aplicativo próprio. De acordo com um porta-voz da marca, a apresentação vai ser transmitida ao vivo nessa plataforma.

E existe também uma expectativa. Ao que tudo indica, a grife usará o seu icônico Verde Bottega, que é bastante parecido com um chroma key, para fazer uma brincadeira entre espaços físicos e digitais. Há quem diga que, quem estiver no lugar do desfile, ali na hora, terá uma experiência de realidade aumentada. Veremos!

Lembrando, claro, que estamos em plena Semana de Moda de Milão e a Moda Brasil acompanha tudo e compartilha a cobertura completa nas redes sociais e site. E, sim, todo o resumão da temporada italiana vai ser comentado por aqui, no Moda Brasil News, na semana que vem.

Chloé cria ferramenta que mede impacto social de marcas de moda

Lucro bruto, lucro líquido, despesas recorrentes, fluxo de caixa… Pois é, esses termos todos vêm à tona quando se fala do desempenho de uma empresa. Mas não é só esse aspecto financeiro que conta para determinar se uma empresa está indo bem ou não.

Cada vez mais, os consumidores e também os acionistas querem saber se aquela companhia tem comprometimento social. E essa postura não pode ficar só no terreno do falatório e da boa vontade – o mercado pede dados mais concretos.

De olho nisso, a Chloé anunciou na semana passada que está desenvolvendo uma ferramenta para ajudar as marcas de moda a medir seu desempenho em questões como igualdade de gênero, remuneração justa, diversidade e inclusão.

Batizada de Social Performance and Leverage, ou seja, Performance Social e Alavancagem, essa ferramenta que mede o impacto social da moda vem sendo desenvolvida há 18 meses pela Chloé, juntamente com o Instituto Francês da Moda e o Conservatório Nacional de Artes e Ofícios.

A marca já fez um test-drive da ferramenta na sua coleção de verão 2022, apresentada em setembro do ano passado, que se destacou pela valorização dos trabalhos manuais. Para este ano, a grife pretende realizar mais testes com a ferramenta, antes de disponibilizá-la para o mercado em 2023.

Vale lembrar que a Chloé, que faz parte do grupo Richemont, foi a primeira marca de luxo a obter a classificação B-Corp, que é dada a companhias que têm impacto ambiental e social positivo. Entre as medidas adotadas pela grife, comandada atualmente pela estilista Gabriela Hearst, estão as parcerias com fornecedores com certificados de fair trade e o compromisso de promover a igualdade das mulheres no trabalho.

Moda Brasil de fevereiro está no ar

Bom, agora, uma notícia duplamente importante: primeiro, tem Moda Brasil nova no ar. Segundo: excepcionalmente, a edição deste mês está com o conteúdo aberto para não assinantes. Aliás, não só a edição de fevereiro: a edição de janeiro também está liberada!

Só que corre lá no site que hoje é o último dia de acesso gratuito. Ainda nesta sexta-feira, a Moda Brasil volta a ser fechada só para assinantes. Então, não perca tempo. Se você não ainda não conhece a nossa revista digital mensal, essa é a chance de navegar por esse conteúdo exclusivo, que tem vídeos, matérias interativas e outros formatos inovadores.

Assim como a edição passada foi toda sobre beleza, esta edição é todinha dedicada à moda. Tem um vídeo bem divertido com as últimas tendências de acessórios, tem questionamentos , como as reportagens que falam sobre a relação da moda com o skate e o problema das balaclavas. Tem também as novas marcas que estão mudando a cara da moda no Brasil e os novos grupos poderosos do mercado. E na capa desta edição que fala dessa moda em movimento, a Moda Brasil traz a modelo Michelli Provensi deslizando sobre patins! A Michelli patina desde criança e contou pra gente como foi estrelar uma capa e um editorial sobre rodas.

“Oi, Patricia, oi, Gabriel! Calma que eu vou pegar aquele lookinho Chanel que eu tô na capa pra conversar com vocês! Minha primeira vez aqui no podcast da Moda Brasil e também minha primeira vez na capa da Moda Brasil! Então, imagina o tamanho da minha celebração. Inclusive, eu tava falando com a Susana Barbosa que pra, pra mim, isso tem um sentido mesmo de festa de formatura, de diploma. Porque, a carreira de modelo, por mais que eu estivesse tranquila com tudo o que eu tinha feito no passado, enfim, a capa, pra uma modelo tem esse quê de reconhecimento. Quando o Lucas Boccalão, stylist, me chamou pra fazer, era meu aniversário de carreira. Nem acreditei, achei até que era trote! Fiquei muito, muito feliz. E queria contar pra vocês um pouco a minha relação com patins. Com patins squad. Eu fiz patinação artística durante muito tempo, sete anos, na minha infância. E larguei a patinação artística quando cheguei em São Paulo pra me tornar modelo. Na época, a gente não tinha essas praças. A praça Roosevelt não estava revitalizada. Eu não enxergava pessoas andando de patins squad, que é esse de duas rodinhas na frente e duas atrás no parque do Ibirapuera e acessos a grupo de patinação era uma coisa muito além. Aqui tinha o Periquitos em revista, do Palmeiras, mas ce tinha que ser sócia do Palmeiras. Mas pra mim era uma coisa muito distante e outra que eu escutava que patinar e andar de bicicleta engrossava as coxas e era uma época em que a moda estava com um foco muito diferente. Tinha acabado de passar o boom das brasileiras, tava todo mundo de olho nas belgas, nas andróginas, quanto mais magra melhor, então, todo mundo que chegou em São Paulo naquela época já tinha que entrar pra esse estilo. Aí acabei largando o patins, depois meu pai deu pra alguém, enfim. E durante a pandemia eu resgatei esse hobby. Patinei muito na sala de casa, risquei todo meu chão de taco, espero que o proprietário não esteja escutando esse podcast.”

Bom, gente, e a Michelli Provensi, pra quem não sabe, além de modelar e patinar também é escritora. Ela é autora do livro Preciso rodar o mundo – aventuras surreais de uma modelo real, e vai lançar em breve seu primeiro título de ficção. O livro de contos, com toques de realismo fantástico, se chama Marinheiro de Açude e vai ser lançado pela editora Reformatório.

E para finalizar o episódio de hoje, o nosso editor de arte, Gustavo Balducci, dá a sua indicação da semana. Isso mesmo, a nossa maravilhosa Bruna Bittencourt precisou se ausentar neste episódio, mas ela volta com tudo semana que vem! Por enquanto, Gus, qual a sua indicação para o findes?

“Oi, pessoal! Bom, neste domingo, vai ao ar o último episódio da segunda temporada de Euphoria, sucesso da HBO. Depois de bater recordes de audiência a cada semana, e lembrando que o primeiro capítulo se tornou o episódio mais comentado de uma série de TV até hoje nas redes sociais, a trama continua cheia de mistérios sobre o que vai de fato acontecer com os personagens. Na internet, já existem diversas teorias sobre o final, mas é bem provável que o diretor Sam Levinson surpreenda todo mundo ao longo da temporada. Como a expectativa pra esse episódio é altíssima, a minha dica de hoje é você correr lá no site da Moda Brasil pra conferir todos os nossos conteúdos sobre a segunda temporada. Tem desde curiosidades e entrevistas até um texto bem poderoso sobre todos os detalhes da maquiagem usada pelas personagens.”

Este episódio usou trechos das músicas Poker Face, de Lady Gaga; Sunday, de Sonic Youth; trilha do filme Lagaan; Even/Odd, de Rachel’s; Sete Meninas, de Mestrinho; Call Me When You’re Sober, de Evanescence; Dança da cadeira, com Xuxa; Shake your booty, de K.C. and the Sunshine Band

E nós ficamos por aqui. Eu sou Patricia Oyama. E eu sou o Gabriel Monteiro. E a gente sempre te lembra: curte o Moda Brasil News?

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Agora, bora sextar. Até semana que vem!

Romance fashionista

Pérolas, babados e frufrus: não só nas passarelas, como também no street style, a ideia de ressignificar elementos ultradelicados tem feito a cabeça de muita gente. Aqui, o termômetro de fofura é equilibrado pelo imbatível match de pink e vermelho. 

Discípulas de Jonathan Anderson

Se tem uma coisa que Londres inspira é aquele look mais cabeçudo, com cara de quem está pronta para ir à galeria. E, sem exageros, as pontas mais arquitetônicas desse conjuntinho bege já transformam o visual por completo.

Volume pontual

A regata de tricô azul com volume frontal, também da marca homônima de Jonathan Anderson, vem direto da passarela da última semana de moda masculina para o mundo de fora. Bastou uma calça preta, reta e de alfaiataria para complementar a peça statment. 

Fórmula da texturinha

Adoramos como a mistura de diferentes texturas deixou o look clássico mais interessante. O blazer de lã está sobre um cardigã canelado e acompanhado de uma calça pantacourt em jeans, que faz às vezes de uma saia.

Regata branca é tendência, sim

Pode parecer básica demais, mas, talvez até por isso mesmo, a regata branca está em todas, do desfile da Prada às coleções da Bottega e nos looks de street style. Neste look, ela ganha um brilho de anos 1950 com a saia rodada de pregas e o kitten heels usado com meia. 

Legging com vestido? Pode entrar!

É possível atualizar esse modismo dos anos 2010 de um jeito mais contemporâneo. Gostamos principalmente da combinação de legging brilhosa para acompanhar o little black dress. E temos a certeza de que Donatella Versace aprovaria a produção. 

Jorts

Talvez você já tenha se deparado com o termo jorts em algum lugar. E a gente explica: trata-se da combinação das palavras jeans e shorts para designar aquele velho conhecido comprimento, sim, o das bermudas. Perfeito para trazer proporções novas pra jogo. 

Sempre comfy

O objetivo pode sempre ser o de conforto total, mas o moletom fica muito mais interessante com combinações inusitadas: é o caso da saia colegial e dos sapatos super classudos que entram nessa história.

Ombros poderosos

Um pouco de pele à mostra traz essas peças retrô, como a blusa de ombros marcados e a saia média rodada, para os dias de hoje. Sabe a ideia de que um cropped anima tudo? Bem, ela funciona também no caso dos vintage.

Pequenos detalhes

Outra dica emprestada dos looks de street style de Londres é como pequenas inserções de cores dão uma outra energia à montação. A dupla de camiseta com saia lápis fica mais divertida com o moletom vermelho amarrado na cintura – aliás, as amarrações, estão tendo um momentinho, como mostrou a NYFW. 

Marrom e berinjela

Cansada do monocromático ou das bases sempre muito tradicionais de branco, bege, preto e marrom? Adicione um elemento surpresa ao todo, como a camisa berinjela e o scarpin azul, que dão um choque de outra realidade ao visual clássico.

Na passarela, a tonalidade, que o diretor de criação encontrou num logo da marca dos anos 1980, aparece em detalhes como na sola de sapatos, forros e em estampas de cereja e morango. A cor também marcava os detalhes da tenda onde rolou a apresentação, num parque ao norte da cidade, bem como o cantilzinho, que esperava os convidados nos assentos, e o uniforme do staff.

Burberry, verão 2024. Foto: Getty Images

Burberry, verão 2024. Foto: Getty Images

Nesta coleção, Daniel Lee reforça a sua vontade de fazer roupas para o dia a dia com os clássicos trench coats em versão vestido e uma alfaiataria impecável. A padronagem de sela decora de micro-saias, que deixam a barra da camisa aparente, a vestidos na altura do joelho até camisas e casacos para eles. 

LEIA TAMBÉM: Como foi a coleção de estréia de Daniel Lee na Burberry na semana de moda de Londres.

Em um momento mais colorido, flores em devorê e transparências entregam a parte mais noite da coleção, ainda que ela não seja o foco. Roupas urbanas, para uma rotina agitada de quem sai de manhã e volta à noite e quer estar sempre arrumada, roubam os holofotes. Principalmente quando o azul as colore – para Lee, é essencial (e especial) ter uma cor assinatura.

Burberry, verão 2024. Foto: Getty Images

Outro ponto importante deste segundo desfile do estilista na semana de moda de Londres, são os acessórios. Como se sabe, são eles os carros-chefe das marcas de luxo. Aqui, o ponto de partida para eles foi a conexão da Burberry com as atividades na natureza ou ao ar livre.

Por isso, os sapatos têm saltos mais grossos para facilitar o caminhar e uma estrutura robusta para firmar o pé. De aparência pesada, a maioria lembra botas, salvo as sandálias de tiras. As bolsas também chegam mais práticas. Tem modelos de mão com texturas e materiais excêntricos, porém são as com alça (para usar no ombro ou transpassadas) as mais interessantes. Essas alças, aliás, são de correntes, com elos grossos, ou com faixas de couro largas e arrematadas com um fecho de metal industrial.

Burberry, verão 2024. Foto: Getty Images

Burberry, verão 2024. Foto: Getty Images

Aliás, as ferragens são um elemento recorrente em toda a coleção. Elas são um desdobramento da armadura do cavaleiro presente no logo da marca. Diz que Daniel é obcecado por essa imagem. Vem daí as estampas, os ilhoses nas barras dos vestidos, os zíperes, e as correntes no interior das jaquetas, para serem usadas penduradas nos ombros.

Isso ajuda a explicar por que, nas últimas temporadas, o designer começou  a trabalhar com formas rígidas, como se as peças tivessem sido congeladas no meio de um movimento. Teve as camisetas e vestidos impressos em 3D, que pareciam se mover com o vento, teve o moletom pixelado e até blusas com estampas de peixes que faziam os looks parecer sacos plásticos cheios d’água.

JW Anderson, verão 2024. Foto: Getty Images

JW Anderson, verão 2024. Foto: Getty Images

Agora, nesta edição verão 2024 da semana de moda de Londres, Jonathan Anderson trabalha com massa de modelar para criar o mesmo efeito. Começa já pelo convite da apresentação, que vinha junto com uma massinha tipo argila com o logo da marca em alto relevo. Na passarela, a brincadeira foi transportada para peças bem parecidas com aquelas da Polly Pocket, a bonequinha de vestir que foi febre no final dos anos 1990. 

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E a maneira como as peças moldam o físico das modelos também merece atenção. Já faz algumas estações que o estilista trabalha sobre conceitos de percepção e alteração da realidade. Daí, a silhueta maior na parte de baixo e menor na de cima. Em termos práticos, estamos falando de moletons e jaquetas de proporções reduzidas, como se fossem um tamanho menor do que o correto, e calças e bermudas com os cós e cinturas afastados do corpo. E aqui vale destacar a biker jacket curtinha, com capuz que imita moletom, e os casacos que viram vestidos de tão compridos. 

JW Anderson, verão 2024. Foto: Getty Images

JW Anderson, verão 2024. Foto: Getty Images

Ainda no lado maluquete, tem as peças infladas, que parecem feitas de sacolas plásticas de mercado, as saias decoradas com tiras de tecido cobertas por glitter e os looks com plumas aparentes, como se o estofado tivesse rasgado. 

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Olhando para esse desfile da semana de moda de Londres, se tirarmos o que vou chamar aqui de distrações paras suas fãs e clientes mais fiéis, há os vestidos feitos de faixas drapeadas que enrolam o corpo e deixam qualquer mulher supersensual, os mini divertidos com bolsinhos, trench coats com saias acopladas, peças acetinadas, como calças com volume no tornozelo e detalhes nas mangas de suéteres e mais um tanto de básicos não tão básicos.

JW Anderson, verão 2024. Foto: Getty Images

Em outras palavras, essa coleção da JW Anderson tem roupa boa e usável. Se, por um acaso, surgir o questionamento de “quem vai usar essas roupas na rua?”, a resposta estava na plateia. Até as roupas mais ousadas propostas pelo estilista em outras estações já deram bons closes fora da passarela. Agora, não tem por que ser diferente.

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Nas notas para a imprensa, a estilista jogou algumas expressões-chave para explicar tudo: obsessão, decoração, tensão, declaração de amor, algo novo, algo antigo, algo emprestado, ter e segurar, estar vinculado ao outro.

Simone Rocha, verão 2024. Foto: Getty Images

Tudo faz lembrar uma igreja, matrimônio ou batizado, ou qualquer que seja esse tipo de celebração tão especial a ponto de se evocar os céus. E este é um universo temático recorrente para a designer, famosa justamente pelos vestidos com cara de bolo de casamento ou aniversário. 

Vale dizer que essa história de subverter signos extremamente doces, historicamente femininos ou infantis acabou virando modismo, uma tendência que tem sido vista quase que à exaustão nessa semana de moda de Londres, mas que, para Rocha, é caso sério, faz parte de seu estilo. 

Simone Rocha, verão 2024. Foto: Getty Images

Prova disso é que essa ideia ainda rende bem em suas mãos, como prova o primeiro look do desfile, um conjunto rosa pastel de saia lápis com laço na cintura e blusa curta feita do mesmo tecido, mas uma finalização esportiva, com zíper e fechos de elástico. 

Além dele, é igualmente equilibrada a série de roupas tão funcionais quanto decoradinhas, que vão se juntando ao longo da apresentação, como os vestidos rodados, as parkas transparentes, as camisas com rosas de tecido costuradas e o fraque cortado ao meio com mangas bufantes aplicadas. 

E ainda existem surpresas menos óbvias do que as propostas de vestido usado com jaqueta de motoqueiro. São elas as peças de tafetá em formas mais abstratas, mas que, ainda assim, lembram o desenho de um chantilly ou a curva de uma pétala na passarela.

Simone Rocha, verão 2024. Foto: Getty Images

O styling sensível ajuda a emocionar, mas também a puxar para o agora isso tudo. Pérolas decoram bolsas e paletós, cristais enfeitam meias e laçarotes presos nos cabelos, descem formando uma cauda. Mas a atenção especial fica por conta das rosas presas por baixo dos tecidos transparentes, bem como as plataformas e crocs nos pés – coisa mesmo de se apaixonar. 

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Com um volume de trabalho cada vez maior, Harris precisou mudar para um ateliê maior. Durante a mudança, há bem pouco tempo, encontrou alguns desenhos em preto e branco que fazia na infância. Pronto, nasceu a assim a coleção de verão 2024 da sua etiqueta.

Harris Reed, verão 2024. Foto: Suleika Mueller

Harris Reed, verão 2024. Foto: Suleika Mueller

Harris Reed, verão 2024. Foto: Suleika Mueller

Sua paixão por dualidades não é bem uma novidade, antes mesmo de se lançar em carreira solo, seus trabalhos como figurinista já indicavam sua predileção por bagunçar e ressignificar noções binárias e tradicionais de gênero. Agora, esse toma lá, dá cá invade a cartela de cores limitada aos dois extremos do gradiente de luz.

O que não muda é seu amor pela performance e pelo drama. Na passarela desta edição da semana de moda de Londres, a apresentação começa com uma versão de “Creep”, a música de 1993 do Radiohead, cantada ao vivo por Cosima. Nas roupas, os volumes acentuados, as formas estruturadas, os laços e as decorações exuberantes continuam muito bem, obrigado. 

E, assim como as referências do desfile, que passeiam do século 19 aos dias de hoje, a silhueta é igualmente diversa e vai dos micros aos longos. Mas, no geral, o comprimento das saias deixa os pés à mostra, ou melhor, a bota com cadarço ou a sapatilha de amarrar à vista.

Molly Goddard, verão 2024. Divulgação

Esse vela e revela está presente nos vincos e pregas, que levantam o tecido e deixam aparecer uma parte da anágua, ou o que quer que esteja ali embaixo. Provocação semelhante rola também no styling e na construção de algumas peças, como os corsets de costas abertas ou os vestidos que já têm a parte de trás não fechada. Um look faz lembrar até mesmo as calças “bumster”, aquela criada por Alexander McQueen com decote traseiro que vai até onde não se pode mais.  

Apesar de todos esses artifícios, a sensualidade construída por Goddard não é óbvia. Do mesmo jeito, seus famosos vestidos volumosos, em tons pastel e cheios de frufrus, não são imagens literais de ultra feminilidade. Aqui, lingerie e cardigan andam juntos e nem sempre em equilíbrio, vale dizer (tendência que começou no inverno 2023, muito devido à Miu Miu, e vem ganhando força no verão 2024). 

Molly Goddard, verão 2024. Divulgação

Algumas das propostas da estilista são de uma boa pele aparente, enquanto outras são de enclausuramento total. E nem sempre está tudo na mesma produção, o que faz sentido, porque ninguém é equilíbrio puro toda hora, nem mesmo uma equação matemática ambulante. 

Em determinado momento, a sua apresentação nesta semana de moda de Londres caminha para uma imagem doméstica que embaralha ainda mais o olhar. Goddard recupera uma memória de casa, com vestidos com jeito de avental ou roupas acolchoadas parecendo edredom. 

Molly Goddard, verão 2024. Divulgação

Algumas modelos surgem como quem faz parte da mobília, uma continuidade da cortina ou do papel de parede. E fica no ar se a apropriação é uma ressignificação ou se reforça a ideia da mulher que é tão parte da casa que uma coisa não se desvincula da outra. 

Uma pena que isso esteja mal resolvido principalmente nas modelos que não são magras. Se essas são as bruxas de Molly Goddard, como sugere a trilha, a sociedade já vem dizendo o mesmo há séculos e parece faltar uma ironia, deboche ou desvio do esperado. 

Molly Goddard, verão 2024. Divulgação

Por outro lado, a estilista afirmou à imprensa que esta coleção reúne alguns de seus temas preferidos, ideias de roupas femininas que ela mais gosta, além de um trabalho grande por trás de tudo – algo que ela, uma amante do processo, adora. 

Ou seja. Molly Goddard afirma existir muita Molly Goddard aqui, o que nos faz pensar ainda mais na delicadeza de seus gestos. Um exercício também de leitura. 

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Ao longo desses 6 anos, eles desenvolveram rapidamente uma assinatura em que brincam com itens clássicos britânicos, principalmente os do vestuário tradicional masculino, sobre os quais criam variações muito contemporâneas. 

Um bom exemplo disso é o padrão argyle, xadrez dos suéteres que desce em desenho diagonal, e que, nas mãos da dupla, viram recortes na malharia. Outra característica da marca é a relação entre a infância e a fase adulta, com imagens e proporções de brinquedo, de uniformes escolares ou de roupas de esporte, como o rugby e o futebol. 

Dessa forma, Stefan e Jake quebram o aspecto enrijecido da roupa historicamente criada para os homens e adicionam a isso uma camada fantástica, divertida, surpreendente. Afinal, como explicar essas peças de aparência inflada, na coleção de verão 2024 da marca? 

Stefan Cooke, verão 2024. Divulgação

Stefan Cooke, verão 2024. Divulgação

Aliás, essa é uma de suas coleções mais maduras. E mais completa também. Há três temporadas a dupla decidiu incluir mulheres na passarela, mas logo depois voltou a focar no projeto masculino. O processo de olhar para as possibilidades da modelagem feminina, no entanto, trouxe o equilíbrio que faltava para esse look que desliza sobre as barreiras restritas de gênero. 

Intitulado Away, o verão 2024 da Stefan Cooke tem algumas referências náuticas, o que explica a escolha das cores branca, azul e vermelha, além dos acessórios com nós e tassels. A imagem está presente também nos bonés e nas mantas em formato de parka. 

Especialistas no uso do tricô, a dupla usa esse material em minivestidos com tonalidades que parecem sair de bandeiras ou brasões de time. E a modelagem geral ainda conta com saias longas sozinhas, com o torso inteiro à mostra, e jaquetas com bermudas até a altura do joelho.  

Stefan Cooke, verão 2024. Divulgação

Mas são principalmente as calças retas com algum top superelaborado que saltam aos olhos. O designers já havia brincado com faixas que lembram bondage, mas, agora, acrescenta à técnica tecidos leves, que criam formas fluidas, plissados e pregas bonitas de ver. 

Millennials que são, a dupla já afirmou amar aquela silhueta supermagra com cara de Hedi Slimane. E isso é preciso comentar. Tudo parece valorizar apenas o corpo mais longilíneo. 

Mas enquanto a dupla se arranja entre erros e acertos, uma colaboração mostra que eles são mesmo uma das grandes apostas da moda britânica hoje em dia. Ambos foram convidados pela Mulberry a apresentar 27 bolsas com tecidos reaproveitados. Algumas delas, aliás, apresentam os tais cortes argyle que viraram uma marca visual dos dois. Bolsas que já nasceram objeto de desejo disputadíssimo. 

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